Andrés Serrano: Sangre, Orina y Semen

Andrés Serrano (1950-) es un fotógrafo estadounidense de ascendensia hondureña y caribeña. Ha realizado gran cantidad de su material trabajando con fluidos corporales, desnudos y cadáveres, todo para crear imágenes abstractas o plenamente conceptuales, muchas de ellas rechazadas por la mayoría del público.

Uno de sus trabajos más controvertidos ha sido "Piss Christ" (1987), imagen de un crucifijo sumergido en orina, lo cual desató los reclamos de gran sector de la audiencia.

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Esta imagen, que puede resultar ofensiva para los creyentes, fue realizada por un hombre criado como católico. Sin embargo, aunque la orina pueda desagradar o no, le da un efecto interesante.

También es conocida su obra con sangre y semen mezclados, titulada "Blood and Semen". Las fotografías ganaron notoriedad, la fotografía "Blood and Semen III" fue seleccionada por el grupo Metallica para la portada de su disco Load (1996)

La banda obtuvo buenos resultados con la producción y decidió volver a utilizar una fotografía de Serrano para su próximo disco: ReLoad

La foto seleccionada fue "Piss and Blood", que mantuvo la misma línea, tanto estética como musical.

Andrés Serrano podrá tener un estilo iconoclasta, pero su idea ha resultado muy original y sin duda es un autor con producciones interesantes.

(Ambas imagenes fueron obtenidas en el banco de imágenes de Wikipedia)

Misha Gordin: Conceptos en Claroscuro

 Misha Gordin es conocido por su fotografía silenciosa y vibrante. Sus imagenes no son reales, sino una idea compuesta para expresarse a través de imágenes.

Misha Gordin (1945-) fotógrafo ruso trabaja con imagenes tratadas y reveladas en escala de grises. Son imagenes sugerentes, a veces dramáticas y otras veces enigmáticas.

Esta es una cita de Gordin que describe mucho de su inspiración y motivaciones:

“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.” (Fotorevista).

Aquí está la página oficial de Gordin para que lo conozcan mejor : Gordin

Oliviero Toscani: Publicidad irreverente

El publicista y fotógrafo milanés Oliviero Toscani (1942-) es uno de los creadores más polémicos en el mundo de la publicidad. Su trabajo más recordado fue para la marca de ropa italiana Benetton, firma para la que trabajo de 1982 al 2000.

En 1990 fundó la revista Colors, publicación propiedad de Benetton, cuya temática giraba en torno al multiculturalismo y la diversidad humana. Los contenidos de la revista tenían un gran parecido con las campañas que diseñaba, si bien ambos proyectos eran independientes.

Las campañas diseñadas por Toscani fueron muy comentadas, juzgadas, criticadas e incluso rechazadas, ya que retrataban aspectos como el SIDA, el Racismo, la Guerra, Religión y Muerte de manera poco convencional, sucitando los reclamos de grupos conservadores de Italia.

Su campaña en torno a la Pena de Muerte, con retratos de verdaderos condenados a la pena capital, causó tal escándalo, que Toscani decidió separarse de Benetton.

Más adelante, en el 2005, trabajando para la marca "Ra-Re", diseñó una campaña con temas de parejas homosexuales que volvió a ser motivo de críticas y acaloradas discusiones.

Toscani sigue activo en el mundo de la publicidad, las comunicaciones e incluso en la política, pues en 2006 contendió´por un escaño en el Parlamento Italiano, pero perdió las elecciones.

Oliviero Toscani y su obra nunca van a pasar desapercibidos, ya sea para bien o para mal, pero los diversos reconocimientos ha su carrera lo situan como una de las personalidades más importantes de la publicidad actual.

Marcel Duchamp: La locura de lo inesperado

Rueda de Bicicleta (1913)

Aunque no fue un fotógrafo, la obra del artista francés Marcel Duchamp (1887-1968) fue importante para ejemplificar lo que es la inventiva, la originalidad y el pensamiento creativo.

Duchamp desarrollo su trabajo artístico dentro de las corrientes vanguardistas europeas de principios del siglo XX. Experimento con gran diversidad de géneros, realizando obras cubistas, fauvistas; y es particularmente conocido como miembro del movimiento del Dadaísmo y el Surrealismo.

Siempre trabajo en la pintura, el dibujo y la escultura, por las cuales mostró gran interés desde la adolescencia.

Una de sus aportaciones más conocidas al arte moderno fue el Ready-Made, concepto poco definido pero que se entiende como el hacer arte con objetos completamente ordinarios que se presentan tal cual son o con pequeñas modificaciones. Para Duchamp el arte consistía en elegir un objeto que le resultase atrayente y entretenido.

                        Fuente (1917) Una de las obras más conocidas de Duchamp.

Es un orinal empotrado sobre una columna como parodia de las fuentes verdaderas.
Fuente: El Ángel Caído

Como dato final, no podemos dejar de mencionar la carrera de Duchamp como Ajedrecista. Llego a tener muy buen nivel de juego y participó en varios torneos. Fue campeón de Alta Normandía en 1924 y formó parte del equipo nacional francés en las Olímpiadas de Ajedrez de 1928, 1930, 1931 y 1933.

Alberto García-Alix: La fuerza cruda del retrato

                                                          Autorretratos del Autor, fotos 1 y 2

El fotógrafo leonés Alberto García-Alix, ganador del Premio Nacional en 1999,  es uno de los autores españoles más reconocidos y comentados, no sólo en el área de la contracultura española, sino entre los círculos de fotógrafos y revistas del mundo. García-Alix ha dedicado los temas principales de su obra a fotografiar  en escala de grises a personajes del "bajo mundo". Motociclistas, vagabundos, drogradictos, vándalos, presidiarios, todos los considerados indeseables por el resto de las personas.

Los retratos de García Alix son crudos, y sus desnudos a veces rayan en la pornografía, sin embargo, son testimonio de la vida nocturna y los circulos marginados de la sociedad.

Conoce más de García-Alix en su galería online.

Julia Margaret Cameron: La dama de la melancolía

Fotógrafa inglesa (1815-1873) reconocida por sus retratos de corte artístico y alegórico. El carácter de su obra es melancólico y misterioso, casi completamamente en torno a la figura femenina, y en menor proporción, a los niños.

  

Su carrera fotográfica tuvo lugar en una época en la que las cámaras aún eran demasiado caras para la mayoría de la población, pero su esposo era un rico hacendado que podía costear los costos del material que Julia necesitaba. A la sazón, Julia contaba con 46 años de edad y su interés en la fotografía se despertó con el regalo de su hija. La obra de Cameron fue bastante reconocida y admirada en sus tiempo y entre 1854 y 1870 expone su trabajo, siendo la Exposición Universal de 1870 su mayor foro.

Fue una mujer muy interasada en las artes, amiga del fotógrafo sueco Rejlander, Lewis Carrol y el poeta Tennyson.

A pesar de que fue reconocida, no estuvo excenta y detractores de críticas, pero aún así, Cameron se dedicó a su concepto y obra, buscando siempre la imagen deseada, aunque fuese necesario hacer numerosos intentos.

En 1875 se muda a la isla de Ceilán para vivir en las plantaciones de té de sus hijos, muriendo cuatro años después, no sin antes haber hecho retratos de los indígenas de la isla.

Actualmente es reconocida como una de las pioneras de la fotografía academista del siglo XIX.

Niépce: De la caja oscura a la fotografía/ Daguerre: La fotografía plateada

NIcéphore Niépce (1775-1833), era un terrateniente francés aficionado a la ciencia (especialmente la química), la litografía y el arte. Sin saberlo, sus aficiones lo llevarían a desarrollar un invento revolucionario: La fotografía.

Sus inicios estuvieron con la Litografía, el arte de imprimir imágenes sobre piedra (lithos, en griego). Niépce ensayo varias soluciones químicas y nuevos materiales para realizar sus impresiones, incluyendo el papel. A mediados de la década de 1810, tuvo la idea de utilizar el principio de la litografía en la caja oscura, dejando que la luz reaccionara sobre una superficie recubierta de asfalto y aceite.

Se sabe que Niépce obtuvo sus primeras fotografías alrededor de 1816, pero la primera fotografía conocida de su trabajo, considerada la primera en la historia fue Punto de vista desde la ventana de Gras que data de 1826.

                                                                                                       Wikipedia

Aunque Niépce logró las primeras fotografías, estas no eran duraderas y tendían a borrarse con el paso del tiempo, ya que el fijador químico no resistía mucho tiempo.

No fue hasta la década de 1830 cuando las imágenes se volvieron más nítidas y duraderas. El antiguo socio investigador de Niépce, Louis Daguerre (1787-1851), trabajó por muchos años en la incipiente ciencia fotográfica, hasta que alrededor de 1835 llegó a la conclusión de que el nitrato de plata era la mejor sustancia para capturar la luz.

El sistema se basaba en capturar la luz en una base de cobre recubierta por nitrato de plata, después se añadía mercurio, y la imagen era revelada con cloruro sódico. Fue así que nació el Daguerrotipo.

Daguerrotipo de Edgar Allan Poe (1848) Wikipedia

La cámara a base de Daguerrotipo suponía importantes avances técnicos frente al antiguo invento de Niépce, pero aún no se podía hablar de un procedimiento moderno. Sin embargo, el siglo XIX se caracterizó por una gran actividad e innovación en el arte y ciencia fotográfica que mejoraron mucho el uso y posibilidades de la cámara.

El daguerrotipo fue finalmente sustituido, pero los experimentos de Niépce y Daguerre fueron fundamentales para la aparición de la fotografía, de manera que son llamados con toda justicia los Padres de la Fotografía.

Graciela Iturbide

Los ojos de Graciela Iturbide Lunes 7 de septiembre 2009

El pasado Miércoles 2 de septiembre la Casa de la Cultura de Hermosillo, Sonora presentó la conferencia “Los ojos de Graciela Iturbide” como parte de las actividades del festival Fotoseptiembre Sonora 2009 organizado por Comisión Nacional de la Cultura y las Artes (CONACULTA).
La maestra Graciela  Iturbide es fotógrafa mexicana de gran trayectoria. Su carrera profesional comenzó a mediados de los años 60 y ha sido reconocida en numerosos eventos internacionales, destacando su Premio Internacional de Fotografía 2008 otorgado por la Fundación Hasselblad de Suecia.
Numerosos asistentes se dieron cita en punto de las 6 de la tarde para presenciar la exposición, donde la maestra Iturbide mostró una selección de su trabajo. Cada foto tenía una breve historia que contar, una anécdota, una vivencia. La maestra se valió de las fotografías para relatar su experiencia profesional, su estancia en Italia, India, Brasil, Estados Unidos y numerosos lugares de México. Abundaron las anécdotas sobre la gente que ha conocido a lo largo de los años; desde gente común hasta directores de cine como González Iñarritu. Destaco la figura de su maestro y amigo, el reconocido fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, hombre decisivo en su carrera y su vida personal, a quién dedicó varias menciones cariñosas llenas de admiración y respeto.
Confesó que a lo largo de su vida ha tenido “obsesiones” en el desarrollo de su trabajo, siendo los Jardínes Botánicos, las aves y los animales temas recurrentes en sus fotografías. Otra de esas obsesiones es trabajar casi siempre en blanco y negro, comentando que su mente siempre abstrae lo que ve en escala de grises. Nunca ha usado cámaras digitales y sigue usando cámaras análogas con rollos de 12 fotos. Pero puntualizó que no era una conservadora a ultranza, y admiraba mucho los trabajos de fotografia digital, ya que para ella, lo importante es el resultado artístico, no las técniicas.
Se declaró atea pero da gracias a ese “algo” por los logros profesionales y personales que ha tenido, deteniéndose para hablar un poco de su familia. Es admiradora de la cultura asiática, siendo Japón y la India dos países muy queridos por ella y que ha visitado en numerosas ocasiones.
Finalmente mencionó sus experiencias en CONACULTA. Fue jurado en el Progama Creadores del Fondo Nacional para Cultura y Artes, organismo encargado de otorgar becas y estímulos económicos a artistas prometedores. Frente al cuestionamiento si eran equitativos o no, ella declaró que lo que menos importaba de un artista era su posición socioeconómica; la beca es concedida en base al talento y al trabajo, nada más. Es importante mencionar que se mostró muy disconforme y molesta con los directivos del Programa, haciendo críticas muy fuertes, pero pidió disculpas por su mal humor, arrancando las sonrisas de la audiencia..
También comentó que en cierta ocasión tuvo oportunidad de hablar con el Presidente Felipe Calderón, a quién hizo la observación de que “La Cultura es cara, pero la Ignorancia es aún más costosa” en alusión a los recortes presupuestales en Educación y Cultura.
La maestra Iturbide se mostró amable y sencilla, narrando en forma atrayente las numerosas anécdotas que animaban su exposición, ganándose la simpatía del público.
Pasaban ya de las 7 cuando la exposición llego a su fin, y la gente salió satisfecha, habían visto a través de otros ojos, los ojos monocromáticos de Graciela Iturbide.